Texto publicado en Milenio Estado de México

Off The Record
Gastón Pedraza

Lo prometido es deuda y ahora me toca recomendar 10 de los mejores discos del año. Claro está que es ha gusto personal, de igual forma espero que coincida con alguno que usted, querido lector, haya escuchado en el año que esta por concluir. No hay orden de importancia.

Yo La Tengo Im Not Afraid of You and I Will Beat Your Ass (Matador)

El disco que sale a la luz a finales de 2006, pero reivindica el sonido de los originarios de New Jersey, un alud de grandes éxitos bañados con el estilo indie más puro. Canciones que definen aquel ímpetu que se originara en 1986 con ese, ya mítico, Ride the Tiger. Un material para escucharse de inmediato con piezas de hasta 10 minutos que hacen la delicia de todo aquel fan de lo 100% indie. Indie, indie, indie.

M. Ward Post-War (4AD/Merge)

Material de factura madura en una de las voces más reconocidas en el ambiente independiente. Atmósferas llenas de nostalgia y pasión a la hora de retratar atardeceres profundos. M. Ward, con su cuarto disco, logra entrar de lleno en la categoría de discos clásicos. Indie Rock.

Mastodon Blood Mountain (Reprise)

Después de su disco anterior, Leviathan, se creía que no tenían nada más que dar estos de Atlanta, pero ahora entregan un material lleno de acordes y riffs de antología. Energía, de esa que se extraña en otros discos de seudo metal, se puede encontrar en este disco de Post-Hardcore. Nada de Moderattos y esas jaladas. Mastodon se perfilan hacia el lugar de honor de los nuevos metaleros. Puro Metal puro.

The Slip Eisenhower (Bar/None)

Música para despertar los domingos de buen humor, música con voz cálida con toques de una ternura de ensueño, pero también hay desamor y soledad, todo en un disco que demuestra lo que puede hacer una banda cuando tienen la brújula bien orientada. Su disco número cuatro está enfilado a ser uno de los más encantadores para estos días de frío y bajas temperaturas. Rock Alternativo.

Belle And Sebastian The Life Pursuit (Matador)

Los creadores de un sonido dulce y melancólico retoman la vereda del canto y las letras con mensaje e ironía, letras de verdadero surrealismo y acompañamientos de tristeza infinita, aunque también hay alegría y sentido del humor. Naturalidad y frescura es la definición más exacta para el material de los escoceses más independientes de los últimos años. Pop del bueno.

Bob Dylan Modern Times (Columbia)

En efecto, uno de los mejores discos del año es sin duda el del maestro Dylan. De regreso a la interpretación vocal y desgarrada, incluso desafinada, nos ofrece un material que va desde la canción de protesta hasta el amor más sincero. Un disco que llega, para Dylan, en una de sus mejores etapas como compositor y realizador. Un disco lleno de toques de jazz y música country, pero no de sombrerazo. Rock legendario.

Cat Power The Greatest (Matador)

La Chan Marshall nos regala un disco aceptable en términos de acústica y buen rock, con esa voz tan particular que nos deja sin aliento a la hora de cantar “Living Prof” o en la que da título al disco. Dulce y violento con toques de rebeldía y armonías de verdadero ensueño. Hay que llegar de frente ante el material de Chan, sin titubeos y mucho menos con los oídos cerrados. Nuevo rock.

Herbert Scale (K7)

Las remezclas y la electrónica siempre han jugado un papel importante en el mundo de la música, pero ahora la combinación de géneros es algo tan común que ya no extraña a nadie. Ese es el caso de Herbert que hace una serie de interpretaciones donde cabe desde la electrónica más complicada hasta los ritmos latinos más sabrosos, sin perder el estilo. Lo importante es el ritmo, y vaya que lo tiene. Electrónica con sabrosura.

Tapes ‘n Tapes The Loon (Ibid)

El regreso al sonido que dieran a conocer grupos como Pixies o Pavement resurge con Tapes ‘n Tapes. Un sonido puro y encantador, con buenas letras y varios metros de exhuberancia. Un material sólido que perdurará hasta que regresen con su segundo material. Esperando que se mantengan con esa línea de buen rock, digamos que experimental. Rock.

Scott Walker The Drift (4AD)

Después de siete años, el misterioso como nadie, Scott Walker, nos regala un disco denso, desnudo, oscuro y por de más introspectivo; pero no por ello alejado de una realidad que se vive en Estados Unidos y Europa. Disco que contiene política y desamor, aullidos y entonaciones. 10 canciones de esas que penetran hasta la médula y se quedan ha flor de piel con esa voz de ultratumba. Rock de atmósfera negra.

Texto publicado en Milenio Estado de México

La otra caperuza

La niña/caperuza Hayley (Ellen Page) pretende vengarse de los que participaron en la muerte de la preadolescente Donna. Localiza y contacta vía chat al fotógrafo treintañero Jeff (Patrick Wilson) para intimidarlo, emborracharlo/sedarlo amarrarlo con “palabra de scout” y cortarle las bolas en desquite de lo que hizo a Donna y a las demás niñas que presuntamente violó y mató.
En Niña Mala (Hard Candy, USA, 2004) David Slade nos entrega una película llena de suspenso y soft gore en la que se acentúan los problemas con que tienen que vivir las sociedades contemporáneas y sus desviaciones, en este caso la perversión y el interés sexual con menores de edad; problema que se ha dado en todos los países, los ejemplos en el nuestro no se dejan esperar como en el caso de Kamel Nacif y sus secuaces.
En la película de Slade, el problema se expone de tal manera en la que el involucrado se merece eso y más, pero hasta que punto la niña/caperuza tiene la razón de hacer justicia por propia mano, torturando física y psicológicamente al mirón, que sólo es eso un mirón que a final de cuentas no logra su objetivo ¿o si?.
Persecuciones a ras de piso, cámara envolvente, colores chillones, mareos en naranja, cortina de baño a lo Psycho (Hitchcock, 60), bolsa de hielo para insensibilizar las partes nobles y así poder castrar al hombre que “maltrata y no tiene sentimientos”.Una serie de enredos mentales que hacen del tormento una delicia para Hayley, sudores a gota gorda de remordimiento y frustración por no poder escapar de los amarres marineros de la niña aprendiz de cirujana, y esas incisiones amateurs con bisturí esterilizado con un poco de vodka. Hay mis hijos.
Menciones a Coldplay y a Goldfrapp siendo el gancho para el intercambio de tracks en mp3 para que la niña “inocente” acceda a ir al depa de Jeff y escuchar las canciones del concierto al que la infanta no pudo ir por falta de dinero. Y así.
El lobo/corderito se vence y da su cuello a torcer gracias a los chantajes de la menor que lo amenaza con informarle de todas sus bajezas a su ex.Cinta de reflexión y moraleja que deja las bolas de acero en el triturador de alimentos. Aún así la película se puede resolver mucho antes de lo que se espera, se hace larga a cuenta de las escapatorias frustradas. Claro que hay vuelta de tuerca pero se queda a medias.

Fuerza, fuerza, fuerza...

Xiu Xiu con su nueva entrega, mas desafiante que las anteriores, demuestran que no hay nada escrito en el mundo de la música. The Air Force (Kill Rock Star, 2006).

Texto publicado en Milenio Estado de México

Off The Record
Gastón Pedraza
Mozart, Mozart, su papá

El disfrute de la música puede ser brutal y más cuando se degusta frente a una copa de vino. Pero vamos con calma. Desde que el hombre es hombre se ha generado el sonido y después esos sonidos se juntaron y se inició, con ese conjunto de sonidos una suerte de melodía; luego llegaron los instrumentos, desde los más rudimentarios hasta los más sofisticados que hay hoy en día. Para eso y para que el hombre lo asimilara tuvieron que pasar varios años.
La evolución nos ha llevado a la creación y a la elevación del ser como tal, aunque algunos no se enteran de nada como nuestro queridísimo Andrés Manuel López Obrador, ¿qué no se da cuenta que eso de los plantones es una autoflagelación que no le dará el gane a la presidencia? Lo que pasa es que me da coraje no poder ir a la Ciudad de México por culpa de AMLO y no poder ir al Bar Opera y escuchar la música de los parroquianos ahí reunidos. Carajo.
Qué sería de la humanidad sin esos preciosos cantos gregorianos, que para muchos resultan de lo más siniestros. En honor a la verdad son de una profundidad más que espiritual.
El hecho es que la música siempre, y es mi caso, me apacigua, me aplaca, me tranquiliza, y más cuando es clásica y de Mozart pues con más razón. Y será que ya estoy entrando a esa edad donde a la clásica la entiendo y hasta me gustaría tocarla. Orales, creo que me mandé. En fin de eso se trata la vidurria de sueños inalcanzables pero por lo menos pensables. El asunto es que estoy disfrutando de un libro muy didáctico, donde Eusebio Ruvalcaba nos lleva de la mano hacia ese mundo fascinante que es la música clásica. En este caso y para celebrar en los 250 años del nacimiento de Wolfgang Amadeus Mozart, Albox Editores editó Un año con Mozart: 52 Tips para escuchar a Mozart. Libro que se divide en 52 composiciones del músico austriaco, seleccionadas por el propio Ruvalcaba. Cada una de las piezas están escogidas de tal manera que se puedan escuchar una por semana y así completar el año; idea que sólo al buen Eusebio se le hubiera ocurrido ya que así se obtiene una opción para acercarse a la obra cumbre de Mozart. El autor del libro nos regala, con esa sabiduría y sencillez que le caracteriza, un acercamiento a la obra del compositor, ya que cada obra elegida va acompañada de información que lo mismo habla de una anécdota, de un dato curioso o el comentario de un experto en la materia. Pero sobre todo está lleno de imágenes sonoras.
El libro viene acompañado de un CD con una grabación histórica del concierto para violín No.4, K218, de Mozart, interpretado en vivo por Higinio Ruvalcaba con la Orquesta Sinfónica Nacional en 1954.

El new sonido

Bunky: BaBa


Trompetas, saxofónes, voz, batería ¿todo está descompuesto? al parecer no, claro que no. El sonido de una nueva generación que no le tiene miedo a nada. Entran con CocoRosie, Clap Your Hands Say Yeah o con Arcade Fire, pero más divertidos.
Bunky Born To Be A Motorcycle (Asthmatic Kitty/Touch and Go, 2005)

Que gire el lente

Dos discos que por su contenido me tienen, digamos que, a punto de NO volver a comprar un disco más. Eso sería una de las más grandes mentiras de éste planeta.

Adriana Calcanhoto - Fico assim sem você

Texto publicado en Milenio Toluca

OFF THE RECORD
Gastón Pedraza
Carnaval y Bossa

Brasil siempre nos ha regalado muy buenos interpretes y compositores musicales; y con razón pues es uno de los países que a pesar de tantos problemas políticos, pobreza y matanzas gracias al narcotráfico, el pueblo, la banda, la raza, el pópulo, sigue celebrando uno de los carnavales más famosos del mundo, y me atrevo a decir, que es por mucho, el más afamado y visitado. Y dígame, querido lector, a poco no le gustaría visitar esa tierra del sur donde se invento ese traje tan sugerente hecho a base de... ¡hilo dental!
La música brasileña se caracteriza por su interpretación sentimental, ya sea desde la bossa nova, el rock más pesado o la samba más alegre y bailable. Vamos por partes, la Música Popular Brasileña (MPB) retoma un nuevo rumbo, por allá de 1946 gracias al pianista Dick Farney, quien después de haber vivido durante algunos años en Estados Unidos, grabó en Brasil el samba titulado “Copacabana”, pero lo grabó cambiando la instrumentación original y le incluyó una serie de orquestaciones donde se rodeaba de cuerdas y una cadencia más relajada, sin ir tan rápido.
La bossa nova nace directamente del compositor, cantante y pianista Alfredo José da Silva, mejor conocido como Jenny Alf. Alf se inspira en el jazz para hacer la marcación de los ritmos más cadentes, e incluye al piano como instrumento que lleve el acento, sin llevar una marcación regular, más bien a manera de improvisación. La idea de Alf da paso inmediato a lo que sería la bossa nova. Y así nacieron nombres de la talla de Antonio Carlos Jobim, Billy Blanco, Vinicius de Moraes. Pero es con João Gilberto y sus primeros discos, Desafinado y Obla la la cuando se dispara el movimiento de la bossa nova. El primero incluye temas de Jobim, Moraes y el propio Gilberto.
Qué sería de la música, sin, por ejemplo, “La Chica de Ipanema”, “Desafinado” o “Aguas de Marzo” que dieron vida, alma, corazón y ritmo a interminables veladas por allá de los 50 y 60. Los caballeros con esas vestimentas de cuello de tortuga y las damas con esos vestidos escotados al estilo de Lorena y Tere Velásquez. Sabor.
La Tropicalia fue un movimiento cultural que se dio en Brasil en el año de 1968, y su creador, por así decirlo, fue el aún compositor y cantante Caetano Veloso acompañado de Gilberto Gil, Gal Costa, Os Mutantes, Tom Zé y Nara Leão. Este no fue un movimiento tan sólo musical, también fue un movimiento político. En este sentido, la Tropicalia, se gesta como un movimiento cultural al incluir y mezclar varios estilos musicales, e incluso musicalizar poesías y hacer todo un movimiento musical de vanguardia y a tono con lo que sucedía en Brasil. Potencia y alegría en los discursos de la Tropicalia.
Brasil ha evolucionado, musicalmente hablando, y tan es así que en la actualidad, la música electrónica que se realiza en ese país es de punta, y lo mejor de todo es que retoma, sin ninguna pena, todas aquellas viejas referencias del quehacer musical de aquellos grandes músicos que ha dado ese país. Actualmente podemos escuchar a un Marisa Monte, cantando una mezcla de bossa nova con tropicalia y samba, o a una María Rita llena de encanto y sentimiento, o a un Caetano Veloso renovado haciendo covers a Nirvana, o por ejemplo se puede escuchar a un Ed Motta con ese estilo a lo Barry White, con una musicalidad retro sin llegar al cliché, más bien a la sensualidad y al regocijo. Y que decir del ya fallecido pero siempre al día de Chico Science con esa maravilla de disco llamado Afrociberdelia.
El combo formado por Carlinhos Brown, Marisa Monte y Arnaldo Antunes llamado Tribalistas, es una muestra clara de lo que está sucediendo con la música en Brasil. Tribalistas suenan a fiesta y melancolía, a samba y bossa, pero siempre a ese sonido alegre, a ese sabor lleno de ritmo que se contagia.

La voz siempre sensual de Adriana Calcanhoto nos ofrece el sentimiento a flor de piel. Que tal la revelación de hace varios años, la siempre bella y con voz aterciopelada Bebel Gilberto. Y que decir de todos esos grandes músicos que aparecen en el soundtrack de la película Ciudad de Dios, el material sonoro de ésta película puede servir de guía para darnos cuenta de lo que está sucediendo en el ámbito musical en aquel país. Sin más, a bailar y acurrucarnos a ritmo de bossa nova.

Visa para todos los países

Si, es la vocalista e integrante de los Squirrel Nut Zippers, éste es su segundo material como solista y suena a rock sucio con una gran mezcla de swing. El video es de alta hechura y esa voz, esa voz a punto del llanto alegre. Katharine Whalen Dirty Little Secret (M.C. Records, 2006)

Katharine Whalen - The Funnest Game

Pop distorsionado

Todo lo que debe estár en una canción, historias, sentimientos, estribillos. En el video, fotografías y más fotografías (recuerdos). Oppenheimer, Oppenhaimer (Bar None Records, 2006)

Oppenheimer - Breakfast in NYC

Mecánica florida

Disco de electro no se que, donde hay de todo: humor, tristeza y también Antony. My Robot Friend Dial 0 (Soma, 2006).

My Robot Friend - Dead

Perro, perro, perro... Suave

El Perro del Mar - God Knows (You gotta give to get)



Coro pegajoso, pegajoso, pegajoso. Buen disco y excelente video. El Perro del Mar y su disco El Perro del Mar (Memphis Industries, 2006).

II Aniversario

Los Planetas - El artista madridista


Llevo 2 años con esto del blog, ya no se de las visitas que me hacen pues hay un contador que hace eso por mi, los comentarios han sido la retroalimentación necesaria. Aquí seguiremos. Y lo festejamos con un video de Los Planetas.

Chin chin el que se raje

Chin Up Chin Up, sonido Chicago de vanguardia con sentimiento post-indie de voz rumorosa, y combinaciones de instrumentos que hacen sentir el actual sonido re/buscado y re/encontrado. En Chin Up Chin Up (Flameshovel, 2005) hay una atentado contra Elton John, en la por demás que coherente rola llamada "Fuck You, Elton John". En verdad fuck you Elton John.

Checa un video aquí

Dulce y honesto

En la actualidad hay disqueras independientes que nos regalan joyas que no se conocerán de manera masiva y eso, a éstas alturas, no se sabe si es bueno o malo, pero lo que queda claro es que, por lo regular, son trabajos de calidad. Este es el caso de Dirty on Purpose que con su segundo disco da muestras de un sonido claro, puro y lleno de actitud, muy al estilo de Yo La Tengo. Dirty on Purpose y su nuevo disco Hallelujah Sirens (North Street Records, 2006) nos dan una muestra de lo que muchos grupos que se encuentran en el mainstream les hace falta: agállas y calidad musical.

Checa un video aquí.

Ausencia en las venas

Grupo de rock/folk/aguardientoso que llamado Absentee, no tocan mal, voz rasposa e instrumentaciones creativas con coritos para descubrirse. Absentee, Schmotime (Memphis Industries, 2006)

Actualidad y añejamiento

Rainer Maria. Ears Ring Ep (Polyvinyl record Co, 2002)Sol Seppy. The Bells Of 1 2 (Gronland, 2006)
Scott Walker. The Drift (4AD, 2006)
The Futureheads. News And Tributes (Vagrant Records, 2006)
White Rose Movement. Kick (Independiente, 2006)

Lady Diana con alas

Sonido guitarrero de estos canadienses. Hay que seguir volteándo a Canadá. Buena voz e instrumentos que acompañan el buen ritmo, riffs pegajosos. Ladyhawk, Ladyhawk (Jagjaguwar, 2006).

Fe y nada más

Rock con el ex Faith No More, Mike Patton e invitados en este proyecto llamado Peeping Tom, desde Norah Jones pasando por Amon Tobin hasta llegar a Massive Attack. Escucha obligada para los amantes de los experimentos.

Texto publicado en Milenio Toluca

OFF THE RECORD
NOTITAS MUSICALES II
Gastón Pedraza

El hecho de escribir de música me complace de sobremanera. La historia de la música es inmensa, y cada uno de nosotros podría hacer su propia historia; llena de referentes, anécdotas, canciones y discos que han marcado nuestras vidas. Podríamos hacer un top 10 o top 500 de las canciones que nos gustan, y eso, créame, es algo que hace que la vida fluya.
No sé si hay música vieja o música nueva, para mí todo es música. No sé si haya música buena o música mala, pero lo que me queda claro es que hay música que no me gusta. Con esto quiero decir que cada quien tiene su propio agrado por la música y de alguna manera su propia visión con respecto al significado musical.
En la entrega anterior abordé, de manera breve, el inicio de la música y su paso por la polifonía, el canto gregoriano, la música clásica y la opera, ahora es turno para el género bastardo de la música: el rock.and roll.
A mediados de los años 50 surge el rock and roll gracias a la fusión del rhythm and blues negro y la melodía romántica blanca: furia negra y estremecimiento blanco. Surge en Estados Unidos pero los ingleses lo perfeccionan, pésele a quien le pese. Sus representantes más famosos o los que dieron un impuso a su difusión fueron el cantante, desafinado pero intenso, Johnnie Ray. Con una música para bailar, sin pretensiones, solo para divertirse y enamorar a las chicas que en su inocencia bailaban y entregaban su amor al mejor bailarín, no importaba si era guapo o feo, lo elemental era que bailara bien. En 1954 el cantante de country, Bill Halley, grabó Rock Around the Clock, el disco daría la vuelta al mundo. Eran tiempos en que los sacerdotes ofrecían bienestar espiritual, los psicólogos veían una cambio en el comportamiento juvenil, los padres de familia se ponían más rígidos con sus hijos y los hombres de negocios se hacían millonarios vendiendo discos.
Antes de Elvis Presley, el rock había sido un gesto de vaga rebelión, cuando él llegó el movimiento del rock se convirtió en algo con futuro e identidad propia. Elvis le imprimió su propio lenguaje y sobre todo una exagerada dosis de sexualidad, que para la época era de reclamo y reproche. Gracias a Elvis y a sus contoneos pélvicos, ahora hay una apertura y tolerancia a la música del rock.
El cantante que trabajó mucho para llegar a la cúspide del éxito, con un disco que en 1955 vendió un millón de copias fue Little Richard con su Tutti Fruti, con una voz peculiar y unos pantalones de pata de elefante de 66 centímetros, tocaba el piano de una manera espectacular como queriéndolo destrozar. Cantaba con fervor religioso. El inicio del gospel-rock. Fats Domino, Larry Williams, Scremaing’ Jay Hawkins, Drifters y tantos otros ayudaron a construir ese rompecabezas, aún sin terminar, del surgimiento de la música pop, esa que es popular, que todo el mundo tararea.
Chuck Berry era el gran letrista: canciones dedicadas a los adolescentes llenas de romances y picardías, que para la época eran de sonrojo total. Este californiano era el cronista de un momento donde los chicos universitarios necesitaban de historias para cantarlas y enamorarse. Las canciones de Chuck Berry fueron cantadas y tocadas por, ni más ni menos, que los Rolling Stones.
Jerry Lee Lewis era el prototipo de lo que ahora podríamos llamar rockero; hacia el final de sus actuaciones saltaba encima del piano, sujetaba el micrófono como lanza y ahí se quedaba hasta que el público se emocionaba lo suficiente como para precipitarse hacia el escenario y hacerle bajar para que se mezclara entre ellos.
Todos y cada uno de los personajes de la historia del rock caben en el libro del británico Nik Cohn: Awopbopaloobop Alopbamboom. Una historia de la música pop (Punto de Lectura, 2004). El libro fue escrito en 1969, Cohn tenía apenas 22 años y demuestra un claro dominio del tema. Conviven aquí desde el rock clásico americano hasta el rock inglés, pasando por una interesante reseña del surgimiento del twist. Un apartado importante para conocer lo que es el sonido pop que hasta ahora rige el mercado, es el que trata sobre el productor Phil Spector y su manera de trabajar. Los Beach Boys aparecen en el capitulo dedicado a California, y donde más sino, pues son los creadores del sonido California. El soul es el sonido que ha dominado la música negra; el capitulo que se habla del soul es de una riqueza extraordinaria. No puede faltar la historia del más grande de los grupo de pop de la historia: The Beatles. En un sendo capitulo con la información necesaria sobre el cuarteto de Liverpool. Lo esencial. Sin desperdicio.
Los Rolling Stones y todas sus locuras aparecen documentadas en un capitulo lleno de nostalgia y datos para la tribia. The Doors, Jimi Hendrix y Janis Joplin, tienen un lugar especial a lo largo del libro, siempre con referencias que hacen muy amena la lectura. No puede faltar el capitulo dedicado a Bob Dylan, aquel joven lleno de ideas revolucionarias y contestatarias ante una sociedad gringa llena de errores; por primera vez los jóvenes escuchaban canciones que significaban algo, que expresaban su rebeldía con algo más complejo que el sexo. Los Who encajan a la perfección con esa nueva idea de lo salvaje, aventando el micrófono a las alturas, rompiendo los amplificadores, destruyendo la batería.
Y así, en Awopbopaloobop Alopbamboom. Una historia de la música pop, se entienden todos y cada uno de los protagonistas de la música pop, incluidos algunos de los más grandes jazzistas, los defensores del flower power, incluso hasta los Bee Gees tienen cabida. Héroes de muchos de nosotros se encuentran en este libro con toda la energía del rock. Yeah¡¡¡¡

Texto publicado en Milenio Toluca

OFF THE RECORD
Notitas musicales I
Gastón Pedraza

Siempre me ha gustado la música. Desde que tengo uso de razón me han acompañado armonías de diferente índole; a mi padre, por ejemplo, le gustaban Los Alegres de Terán, Las Jilguerillas o las Hermanas Águila y por supuesto José Alfredo Jiménez; mi madre de vez en vez canta; mis hermanos y hermanas se la pasaban escuchando música todo el tiempo: quizá de ahí venga mi afición por la música.
En la actualidad existen todos los tipos de música posible y hay también definiciones sobre la música, como la que dice: “La música es el arte de bien combinar los sonidos” o “La música es una bella arte que provoca diversos sentimientos a través del sonido”, o la que se acerca a lo científico “Música es la teoría o ciencia de los sonidos considerados bajo el aspecto de la melodía, la armonía y el ritmo”. El compositor Gustav Mahler decía que “Lo mejor de la música no se encuentra en sus notas”, y claro, lo mejor se encuentra en lo cada uno de nosotros siente al escuchar el resultado de la unión de las notas musicales. La que hace que el cuero se me ponga de gallina es la de Nietzche “La vida, sin música, sería un error”. Cierto.
La música la podemos encontrar en todas partes, en el taxi, en el camión, en la fonda de la esquina, en el restaurante; y ahora con Internet con mayor facilidad y felicidad se puede conseguir casi cualquier cosa para el disfrute de todos los amantes de la música.
En las próximas tres entregas recomendaré libros que pueden darnos una visión de lo que es la historia de la música hasta nuestros días. Si bien es cierto que existe un vasto número de publicaciones sobre el tema, me daré a la tarea de dar títulos que nos pueden orientar acerca de la apreciación musical de una manera sencilla y al alcance de todos.
Roland Candé en su libro Invitación a la música (Fondo de Cultura Económica, 2003) hace un viaje extraordinario a los orígenes de los instrumentos musicales desde el año 2900 a.c. cuando se inventa el k’in en China, y por las mismas épocas un tal Ling-luen inventa la teoría musical china, una teoría tan perfecta que ha servido hasta nuestros días; también creó la gama china cortando unas cañas de longitudes bien calculadas y soplando en ellas simulando el murmullo del río Amarillo.
Candé nos lleva de la mano para sumergirnos en lo que es la historia de la música en la Edad Media, con todo lo que implican las controversias acerca de los cantos gregorianos, y la invención de coros interpretados por monjes que introdujeron un sistema de signos, nada preciso, para recordar los giros melódicos. Continua con el surgimiento de la ópera y de cómo se crea la manera de “hablar en música”, para seguir con un profundo estudio sobre los instrumentos en la época renacentista, nos habla del laúd, del violín, de la viola, del clavecín y su transformación en piano, hasta llegar a las piezas para cada instrumento.
Las capitales de la música alrededor de 1700 serán Paris, con el reinado de Luis XVI y las obras de Lully como la ópera Armida. En Londres la vitalidad musical correrá a cargo de Henry Purcell y su ópera Dido y Eneas; es de destacar que Londres fue una de las primeras ciudades de Europa en tener un teatro público para la presentación de óperas. En Venecia se montan más de 300 obras a partir de 1700. En Roma, Arcangelo Corelli era el mero mero en la creación de sonatas, su especialidad eran las composiciones para violín. Nápoles es la patria del bel canto; desde la época de Nerón, sus cantantes son famosos. El primer teatro de ópera es el de San Bartolomeo, que ofrece en 1654 una serie de representaciones de la Coronación de Popea de Monteverdi. En Hamburgo, Alemania, funciona una ópera pública desde 1678, donde se presentan óperas alemanas, especialmente de un compositor llamado Reinhard Keiser. Viena, en poco tiempo se convertirá en la ciudad de los valses y así será una de las capitales más brillantes de la música.
Se continua con el compositor y violinista Vivaldi, sus ángeles y sus demonios; Bach y su capacidad para componer obras tan complejas donde podía intercalar corales luteranos, variaciones y fugas, de igual forma se habla sobre su personalidad, que en muy pocos libros se trata; Hyden uno de los compositores más prolíficos de su época, con creaciones de alegría insuperable; Mozart hacía composiciones de tal grandeza que “hasta a Dios le gustan”; Beethoven, el gran solitario, cambia el sentido de la música, pues por primera vez un compositor quiere dirigirse a toda la humanidad, gracias a su sordera no pudo escuchar su Novena sinfonía; Schubert y el amor son casi sinónimos; Berloiz y su ciclónica vida, creando una de las óperas más famosas Romeo y Julieta. Chopin, Wagner, Brahms, Mahler, Bruckner, Debussy, Ravel, Stravinsky, Mendelssohn, todos conviven de manera armónica en las páginas del libro de Candé, y lo mejor de todo, sin problemas de ego, cada quien en su respectivo lugar.
El libro contiene apartados para cada etapa de la música con una selección de términos relativos al desarrollo de la música. Hay un capítulo por demás interesante, es el que habla sobre la grabación. ¿Qué hubiera pasado si no se inventa la grabación?, gracias al fonógrafo ya no era necesario trasladarse al recinto para escuchar a los músicos interpretar las piezas musicales; se da una de las revoluciones musicales con la grabación. Y no crea, estimado lector, que sólo se habla de música clásica, también se llega hasta la escena del jazz y el rock; de manera breve nos relata el surgimiento del rock en manos del guitarrista negro Chuck Berry; y así una serie de sucesos de importancia a lo largo de la historia de la música. También hay una nutrida lista de recomendaciones de discos y piezas que se deben de escuchar.
En la siguiente entrega: Rock y música pop.

Yo mero por Marco Casado

Y corría el año de 199?

Texto publicado en Milenio Toluca

OFF THE RECORD
Muerte a Tarantino, vida a Takashi Miike

Gastón Pedraza

Desde siempre la cultura japonesa se nos ha hecho diferente, alejada, compleja y más aun cuando no estamos acostumbrados a observar sus ritos y costumbres y de repente nos llegan de sopetón películas hechas de una manera que nos conmueven, no solo por la forma de realización sino por los temas que abordan. Son películas de una intimidad y una hechura que sorprende, nada que ver con el cine gringo: rancio y previsible.
El cine japonés ha arrojado directores, que digo directores, creadores de imágenes inolvidables, como es el caso de Yasujiro Ozu y su obra maestra Historias de Tokio (1953); o el realizador que trataba la pasión, el deseo y la melancolía de una manera asombrosa, me refiero a Kenji Mizoguchi y su película Diario de Oharu (1953); y que decir del cine apasionado y desbordante de Nagisa Oshima en películas como La Ceremonia (1971); el humor negro y el drama urbano lo reflejó Shohei Imamura en la película La Mujer Insecto (1963); y las intensas lecturas que hace Akira Kurosawa a su propia cultura en cada una de sus películas como en el caso de Rashomon (1951).
La época dorada del cine japonés, que abarca de la década de los 50 y principios de los 70, tuvo una gran aceptación en todo el mundo y tan es así que ese cine influyó a muchos realizadores europeos, incluso en la manera de abordar los temas y la forma de montar las películas a la hora de la edición. Siempre, el cine japonés se encuentra a la vanguardia de tal manera que las películas de su época dorada siguen gustando y son proyectadas, a manera de retrospectiva en los festivales más importantes del mundo. David Desser en su libro, Eros plus Massacre: An Introduction to the New Japanese Cinema, dice que “...existe un apriorismo a la hora de encarnar el cine japonés desde occidente: entenderlo como sistema cerrado, que desde sus inicios, ha cambiado únicamente debido a innovaciones técnicas, demandas del público y la personalidad individual de los directores”.
Ahora bien las tradiciones japonesas son demasiado fuertes como para que desparezcan después de cientos de años de permanecer al interior de su cultura, con valores estéticos y éticos bien definidos. Es precisamente en el cine donde hay una permanencia constante de estas tradiciones; al contrario del cine americano que va cambiando sus prácticas cinematográficas.
Hubo un bache de realizaciones japonesas en los 80 gracias a que se retiró el apoyo, por parte del gobierno, para la elaboración de cintas con presupuesto oficial. Sin embargo se siguieron haciendo películas en otros formatos abaratando costos. Así es como surgen, a principios de los 90, films con una libertad de expresión extrema como las eróticas (pinku-eiga) y las de porno duro (honban).
Los nuevos realizadores están influenciados por el anime y el manga y lo que quieren reflejar en pantalla es, precisamente, todas esas grandes aventuras hechas por sus colegas dibujantes y llevarlas al extremo con actores de carne y hueso.
La nueva Nueva Ola japonesa está representada por cineastas que mezclan la más pura tradición oriental, de la tranquilidad y la mesura, con la más descomunal de las violencias, es decir, un cine tradicional con fricciones de locura extrema. Hay una serie de directores de gran talento como Takashi Ishii y sus obras cumbre Freeze me y Black Angel (1997); Hideo Nakata y The Ring (1998); el prolífico Takashi Miike y sus demenciales pero atractivas Full Metal Gokudo (1997), Audittion (2000) e Ichi the Killer (2001); o el creador de imágenes perturbadoras y maestro del terror Kiyoshi Kurosawa, con su más que violenta Cure (1997); el maestro de la violencia y la ternura es, sin duda, Takeshi Kitano y sus obras maestras Hana-Bi (1997), El Verano de Kikujiro (1999) y la poética e intimista Dolls (2003).
A decir de Roberto Cueto en el libro, El principio del fin. Tendencias y efectivos del novísimo cine japonés (Piadós Comunicación, 2003) “El cine japonés es hoy tan complejo, contradictorio y rico como lo fue siempre, por mucho que occidente no quisiera reconocerlo y prefiriera catalogarlo de manera apresurada. Hoy confluyen esos diferentes 'modos' de representación con las nuevas tecnologías que abaratan costes y proporcionan nuevas oportunidades a los independientes”. Lo que queda claro es que hay talento, dedicación e idea de lo que están haciendo en oriente con respecto al “nuevo cine japonés”.

Texto publicado en Milenio Toluca

OFF THE RECORD
De Olvido, sí me acuerdo
Gastón Pedraza


María Olvido Gara Jova nace el 13 de junio de 1963 en México, D. F. El padre, Manuel Gara López, exiliado español republicano, profesional de la joyería. La madre, América Jova Godoy, cubana de fuerte carácter y sobre todo, apasionada de la aventura. Después de por lo menos 15 años de exilio, Manuel Gara, decide regresar a España y lo hace en junio de 1973, llevándose a su familia.
No sería tan importante este hecho si hablara de cualquier otra persona, pero estoy hablando de un mito de la cultura pop española y de la movida de aquellos lugares en la década de los 80, un personaje lleno de historias, resultado de su gran espíritu de aventura inculcado por su madre América o quizá, no tanto, pues le daba unas buenas regañadas cuando se iba al Rastro (tipo Chopo mexicano) en el verano de 1976 a conocer chicos y a comprar discos de David Bowie, ese tipo galáctico rey del glam, y desde luego de Lou Reed. Todos los conocidos de Olvido llevaban un sobrenombre y ella no tenía que ser la excepción; de manera indirecta Lou Reed fue quien le puso Alaska pues en el disco Berlin (RCA,1973), uno de los más oscuros e importantes de la música moderna, se incluye la canción llamada “Caroline says II” donde Reed canta "Todos sus amigos la llaman Alaska...". Caroline, la protagonista de Berlin, era una chica adicta a las drogas; en la canción se incluye una frase que dice "hace tanto frío en Alaska" y con esta frase Caroline decide dar fin a su existencia. De ahí viene el nombre de Alaska, pero hay mucho drama en la canción de Reed, y más que otra cosa lo que quería Olvido era llamarse como uno de los personajes creados por uno de sus ídolos.
Alaska firmaba así algunas traducciones y luego le entró como colaboradora en el fanzine llamado Kaka de Lux, que después se convertiría en el nombre de una de las agrupaciones de punk de importancia en España. Kaka de Lux se integra por Enrique Sierra, Nacho Canut, Carlos Berlanga, el Zurdo y Alaska, eran la encarnación del espíritu punk, ni uno de los integrantes sabía tocar su instrumento y mucho menos cantar, pero esa era la idea; las actuaciones eran pocas con un sonido verdaderamente patético: era la historia de una agrupación que daría inicio a una serie de acontecimientos que cambiaría el rumbo de la música en España.
En la primavera de 1979 Alaska comenzó a rodar la película del manchego Pedro Almodóvar titulada Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, donde Alaska hace un papel de verdadero agasajo y atrevimiento, derrama su orina en la cara de una de las protagonistas; escatología y sadomasoquismo en plena etapa pos-franquista.
Tras Kaka de Lux, surgen Alaska y los Pegamoides cuyos integrantes al inicio eran Berlanga, Canut y Alaska, después se les une Ana Curra, una fan de Kaka de Lux; los hits de su primer disco llamado Horror en el hipermercado (Hispavox, 1980), fueron “El hospital”, “Odio” y el single de promoción que daba título al disco. En 1982 editan Grandes éxitos (Hispavox), donde la canción fuerte era aquella de nombre “Bailando” cuyo estribillo decía "Muevo la pierna, muevo el pie, muevo la tibia y el peroné, muevo la cabeza, muevo el esternón, muevo la cadera siempre que tengo ocasión" era el surgimiento del pop discotequero español.
Claro que había grupos contemporáneos de los Pegamoides como Nacha Pop, Los Secretos, Paraíso, Mamá, Los Rebeldes, Radio Futura, Gabinete Caligari, Aviador Dro, Décima Víctima, La Orquesta Mondragón y Parálisis Permanente entre muchos otros.
Los Pegamoides dejan de existir y en diciembre de 1982 surge Dinarama integrado por Nacho Canut y Carlos Berlanga y a ellos se une la voz de Alaska. Deseo Carnal (Hispavox,1984) está lleno de éxitos inmediatos, “Ni tú ni nadie”, “Cómo pudiste hacerme esto a mí” o “Un hombre de verdad”: himnos de toda una generación. Con Dinarama hacían lo que les gustaba y sin traicionar sus intereses y gustos. El apabullante éxito venía en el disco No es pecado (Hispavox, 1986) y me refiero a “A quién le importa”, canción símbolo del movimiento gay, y no es para menos, ya que la compusieron Canut y Berlanga, gays defensores de este movimiento. Carlos Berlanga deja Dinarama; Canut y Alaska deciden no continuar con el proyecto y forman Fangoria a inicios de los 90. Se quedó atrás la época de la movida española.
Con Fangoria se adentran en el electro pop melódico y desde 1990 llevan varios discos entre los que destacan: Salto mortal (Hispavox,1990), Un día cualquiera en Vulcano 1.0 (DRO, 1992), Interferencias (Subterfuge, 1998), Una temporada en el infierno (Subterfuge 1998), Naturaleza muerta (Subterfuge, 2001) y Arquitectura efímera (GASA, 2004), los mejores discos son sin duda, los tres últimos.
A Fangoria no los puedes dar por agotados y mucho menos por desaparecidos; llegan a nuestro país con la gira de Arquitectura efímera, se presentaron en el Salón 21, en el D.F., el pasado 13 de octubre, y dieron un concierto de intensidad absoluta, de electrónica que afecta al corazón, éxito tras éxito; un directo que sacaba chispas, un directo donde el público era el protagonista y cómplice del artista. La melancolía y la alegría nunca se habían llevado tan bien hasta que Alaska y Nacho se atrevieron a juntarlas. La modernidad les va bien; se hacen acompañar de dos guitarristas y un percusionista de locura. Nacho siempre tan elegante y tan metido en su labor de programador y bajista, nunca, pero nunca, saluda al público, es más: pasa desapercibido, sin embargo está omnipresente creando su electrónica melódica. El atractivo visual corrió a cargo de las Nancy’s, dúo de hombre/mujer/travesti: en plan travesti radical, dan ritmo y vitalidad al concierto. Fangoria se entrega a su público mexicano y regala una presentación de brillantez sentimental.
Gracias, Raúl Gonzáles Romero y Raúl Ortega López por sus comentarios.

Sonido espiral

DESCARGA LA CANCIÓN AQUÍ

Nu Jazz, Dub, Beats, Down Tempo, Ambient, de todo un poco en esta canción instrumental que hace honor a su portada de vértigo, auténtico vertigo, no como el de otros. Our Theory se hacen llamar y graban en una disquera pequeñita llamada Nublu. Quizá no suenen a nada nuevo pero que buen ritmo tienen, para esos atardeceres inolvidables. Yeah, That's Right (2006) es el nombre del disco.


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La verdadera escudería italiana

La voz y la guitarra de este grupo italiano es de lo más crudo que he escuchado últimamente, buen sonido, real, directo sin titubeos, de lo mejor en días de sequías musicales, ahora grabaron con One Little Indian y suenan de lo más rock que hay. La comparación más cercana es, sin duda, con Jeff Buckley, pero los de Italia le ponen un poco más de desgarre a la hora de la cantada.
Baja la canción "Ballad For My Little Hyena" aquí.

Laboratorio E S T E R E O

Una rolita de los pálidos de Stereolab del material Fab Four Suture (Too Pure/Beggars Group, 2006) la canción se llama "Excursions Into "Oh A-Oh"".

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Uh, ah, oh....

El sonido de las niponas hace mover el cuerpo, por lo menos un poco, y en esta melodía todo es movimento. El disco, Bomb the Twist (Sympathy for the Record Industry, 1996) y la rolita "Jane In The Jungle". A mover el esqueleto, pero sin Quentin Tarantino.


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La escuela, la escuela

El sonido de estos, me hace recordar a muchos grupos, pero creo que tienen un toque especial, un sonido indie-electro-rock, lo que quiera que esto signifique, el disco se llama Film School (Beggars Banquet, 2006) y el grupo también se llama Film School, música de altos vuelos hecha en SanFrancisco, California. Aquí dejo la pieza llamada "Pitfalls".



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Cuerdas sobre cuerdas

Un nuevo disco de Eels, un material de puras cuerdas que verá la luz el 21 de febrero, pero aquí un adelanto del disco se grabó en vivo, en el Town Hall de New York. A escuchar antes que nadie este bonito track titulado "Losing Streak".



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Pulso eléctrico

El sonido de Richard Youngs nos remite a lo progresivo y a lo sicodélico más relajado. Un sonido reiterativo pero no aburrido, lleno de electrónica minimal, para esos días de relax y convertir el coraje en buena vibra. The Naïve Shaman (Jagjaguwar, 2005) nos regala canciones de verdadero agasajo aunque de repente suena sombrío se disfruta de buena manera. Aquí les dejo la rolita "Once It Was Autumn".


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Karaoke tlacuachero

Ahora si a escuchar y cantar con Los Planetas, abajo encuentras la letra de "Pesadilla en el parque de atracciones".

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La Vox de la voz

Por fin pude con esto de los Castpost a disfrutar con Vox Vermillion...

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Miles de alientos

El Bitches Brew (Columbia/Legacy, 1969 - 1970) de Miles Davis lo escucho seguido, quizá suena pretencioso decir que es uno de mis discos favoritos, cuando en realidad son muchos mis favoritos, digamos que a éste le tengo cariño y admiración, todo está dicho sobre el disco, que si es innovador, que si fusiona el jazz con el rock, que si a los ortodoxos del jazz no les gusta, y bueno, tantas y tantas cosas. Me gusta con madre esa rola de veinte minutos "Pharaho's Dance" y la que da nombre al disco que dura la friolera de veintiseis minutos. Minutos llenos de la más pura complejidad musical. El disco va desde la elegancia más formal hasta la locura más visceral, pasando por los viajes más lejanos que uno pueda imaginar. A disfrutar del genio del jazz.

El viaje efímero

LOS PLANETAS

Pesadilla en el parque de atracciones (Música y letra : J)

Quiero que sepas que ya me esperaba / que esto ocurriera y que no pasa nada, / sólo me da la razón, y que he estado aprendiendo / de cada momento que he estado contigo. / Y pienso aplicar contra mis enemigos / tus tácticas sucias de acoso y derribo, / que también he sacado algo bueno / de todo este enredo. / Y quiero que sepas que espero que acabes colgando de un pino / cuando veas lo imbécil que has sido, / cuando veas que lo has hecho fatal. / Y que quiero que sepas que ha sido un infierno, / estando contigo / el infierno es lo más parecido, / te pareces un poco a Satán. / Quiero que sepas que me he acostumbrado / a tus putas escenas de "ahora me largo". / Lárgate ya de verdad que sería una suerte / si no vuelvo a verte en los próximos años. / Por mí que podías tirarte de un tajo / que ya lo que hagas me trae sin cuidado. / Si me pongo a pensarlo un momento / creo que lo prefiero. Así que ya sabes / que espero que acabes / pegándote un tiro / cuando veas lo imbécil que has sido, / cuando veas que lo has hecho fatal. / Y que quiero que sepas / que ha sido un infierno, / estando contigo / que por poco no acabas conmigo, / pero soy difícil de matar. / Y que quiero que sepas / que ha sido un infierno, /estando contigo / el infierno no es tanto castigo, / te pareces bastante a Satán.

Estiró la pata el pájaro

Un disco que me ha traído loco desde que salió, de hace ya siete años es éste de Dream City Film Club llamado In the Cold Light of the Morning (Beggars Banquet, 1999). Música de desolación al más puro estilo de Nick Cave, suena o gótico de fin de siglo, de ese moderno y con rimel antes de HIM y esas cosas. Un disco que es de lo más fresco que se puede escuchar en estos días de sed musical. Disco misterioso, con toda la oscuridad de un sonido acorde a su tiempo y con la luminosidad de ser uno de los discos que hay que reescuchar de estos ingleses.

Bájale a la luz

Pues la ausencia se a dejado ver en el blog, pero ya estoy de regreso, quizá no tan frecuentemente como yo deseára pero aquí ando. Basta de choro mareador. The Zincs, originarios de Chicago, hacen ese rock que nos gusta, ese rock indie mezclado con el Alt Country más experimental, ahora resulta que todo es Alt Country gracias a Ryan Adams, pero no es así hay muchas otras agrupaciones que sin definirse como Alt Country rescatan ese sonido sureño, de moda en estos días. En su disco Dimmer (Thrill Jockey, 2005) los de Chicago nos regalan frases contundentes, bien hechas, piezas de indie pop con lagrimita incluida.